Жанры музыкальных произведений, исполняемые ОРНИ

Жанры оркестровых пьес

В репертуаре ансамблей и оркестров народных инструментов широко используются произведения с различными названиями, как то элегия, романс, ноктюрн, интермеццо и т. д. Краткая характеристика каждого из этих жанров будет полезна для студента-практиканта и руководителя любительского народно-оркестрового коллектива.

Баркарола («итал. barcarola от Ьагса - лодка) - первоначально песня венецианских гондольеров. Для народных баркарол типичны размер 6/8, мягкое движение мелодии, монотонный ритм, минорный лад. Характер лирический, с оттенком меланхолии или светлой мечтательности.

В XVIII веке баркарола стала жанром профессиональной музыки; особое распространение получила в XIX веке. В таких баркаролах иногда используется мажорный лад, размер 12/8, 3/4, 4/4 (Чайковский «Времена года»)» [113, т. 1, 328, 329].

Блюз («англ, blues, сокр. от blue devils - меланхолия, грусть) - первоначально сольная лирическая песня американских негров с берегов Миссисипи. Известна с конца XIX века. Обычно выражала тоску по утраченному счастью. Прошла несколько стадий развития. Самая ранняя форма-сельский, или архаический, блюз. Позднее сложился так называемый городской, или классический. В нем утвердились характерные особенности, во многом унаследованные от музыки африканских негров: синкопированные ритмы и полиритмия, скользящие, не фиксированные понижения ступеней лада (так называемые блюзовые интонации, обычно на 3-й и 7-й ступенях мажора, образующие вместе с обычными ступенями 9-тоновый «блюзовый» лад), импровизационность исполнения (особенно в паузах голоса). В основе блюза лежит 12-тактовый период из трех фраз по 4 такта; 1-й четырехтакт - на тонической гармонии, далее по 2 такта на субдоминанте и тонике и по 2 такта на доминанте и тонике. (Размер 4/4 или 2/2. - И. С.).

Блюз оказал сильное влияние на формирование джаза и джазовой музыки и остался одной из ее важнейших форм. Первоначально блюзы исполнялись в медленном темпе; в 1950-1960-е годы в блюзе применяются разнообразные темпы, например в разновидностях блюза - буги-вуги. Жанровые особенности блюза использованы многими композиторами XX века» [113, т. 1, 495, 496].

Веснянка - «старинная обрядовая песня, воспевающая приход весны, приближение полевых работ. Встречается у русских, белорусов, украинцев» [182].

Веснянки для русского народного оркестра написаны И. Шамо, В. Блоком и др.

Думка - «распространенное в XIX веке некоторых славянских странах название песен, инструментальных пьес сентиментально-элегического характера, с ярко выраженной славянской народно-песенной мелодикой. Термин “думка” (как уменьшительная форма от термина “дума”) возник в Польше в XVIII веке Композиторы-романтики некоторых славянских народов называли думками произведения различных жанров и форм, отличавшиеся грустно-мечтательным настроением, связью с народно-песенными интонациями. Думка была одной из характерных форм творчества А. Дворжака. Программным произведением с русскими народно-песенными интонациями является Думка «Русская крестьянская сцена» П. Чайковского» [113, т. 2, 331].

Для русского народного оркестра думки были написаны Н. Будашкиным (1948), П. Куликовым, А. Холминовым и др.

Интермеццо «(от итал. intermezzo - находящийся посреди, промежуточный): 1) пьеса промежуточного, связующего значения. В инструментальной музыке может выполнять роль трио в трехчастной форме или средней части в сонатном цикле. Ветре-196

чаются инструментальные интермеццо, исполняемые между актами или сценами оперы; 2) самостоятельная характерная инструментальная пьеса. Небольшое музыкальное произведение свободной формы. Основоположником этой разновидности интермеццо является Р. Шуман. Интермеццо для фортепиано создали также И. Брамс, А. К. Лядов, Вас. С. Калинников, для оркестра - М. П. Мусоргский» [113, т. 2, 547].

Интермеццо для русского народного оркестра написаны П. Куликовым, В. Левашовым, И. Цветковым и др.

Каприччио, «правильнее каприччо - инструментальная пьеса виртуозного характера в блестящем, эффектном стиле. Таковы «Испанское каприччио» И. Римского-Корсакова и «Итальянское каприччио» П. Чайковского для оркестра. Иногда каприччио - виртуозный этюд» [182].

А. Рспников написал «Каприччио» для баяна с оркестром русских народных инструментов.

Концерт «(от латинского concerto - состязаюсь). Концерт - это музыкальное произведение, основанное на сопоставлении или состязании двух групп исполнителей или солиста и оркестра. Самые ранние концерты возникли в Италии на рубеже XVI-XVII веков в вокальной церковной музыке.

Первые образцы инструментального концерта возникли в конце XVII века, фактически же концерт сложился в 1-й половине XVIII века втворчестве А. Вивальди, который создал как concert! grossi, так и сольные - для скрипки, виолончели, духовых инструментов.

Во 2-й половине XVIII века сформировался классический тип сольного инструментального концерта, четко откристаллизовавшийся у венских классиков. Состоял из трех частей с пропуском 3-й части. В концерте предусматривалась импровизация солиста на темы сочинения, так называемая каденция, которая располагалась на переходе к коде.

В эпоху романтизма был создан одночастный концерт двух типов: малой формы -так называемый концертштюк (позднее и под названием концертино) и крупной формы, соответствующей по построению симфонической поэме. И если в классическом концерте интонационные и тематические связи между частями, как правило, отсутствовали, то в романтическом концерте монотематизм, лейтмотивные связи, принцип «сквозного развития» приобрели важнейшее значение.

Яркие образцы романтического поэмного одночастного концерта создал Ф. Лист. Романтическое искусство 1-й половины XIX века выработало особый род красочнодекоративной виртуозности, ставшей стилевым признаком всего течения романтизма (Н. Паганини, Ф. Лист и др.).

После Бетховена наметились две разновидности (два типа) концерта - «виртуозный» и «симфонизированный». В виртуозном концерте инструментальная виртуозность и концертирование составляют основу развития музыки; на 1-й план выступает не тематическая разработка, а принципы контраста кантилены и моторики, различных типов фактуры, тембров и т. д. Во многих виртуозных концертах тематическая разработка вообще отсутствует.

В симфонизированном концерте развитие музыки основано на симфонической драматургии, принципах тематической разработки, на противопоставлении образнотематических сфер.

Оба типа концерта различаются по драматургической функции основных компонентов: для виртуозного концерта характерна полная гегемония солиста и подчиненная (аккомпанирующая) роль оркестра; для симфонизированного концерта - драматургическая активность оркестра (развитие тематического материала осуществляется совместно солистом и оркестром), приводящая к относительному равноправию партий солиста и оркестра.

В симфонизированном концерте виртуозность стала средством драматического развития. Симфонизация охватила в нем даже такой специфически-виртуозный элемент жанра, как каденция. Если в виртуозном концерте каденция предназначалась для показа технического мастерства солиста, то в симфонизированном она включалась в общее развитие музыки

Со времен Бетховена каденции начали писать сами композиторы»« [ИЗ, т. 2, 922-925].

Концерт, как жанр, в репертуаре русского народного оркестра появился в 1929 году. 3. Фельдман написал «Русский концерт» для балалайки и оркестра; в 1937 году Ф. Рубцов написал Концерт для баяна и оркестра русских народных инструментов. И с этого времени жанр концерта стал популярным среди отечественных композиторов, которые написали большое количество концертов для различных инструментов и оркестра, а также оркестровых многочастных концертов.

Марш - «музыкальное произведение в энергичном, четком ритме и строго размеренном в соответствии с шагом темпе. Тактовый размер обычно на 2 или 4 четверти. Форма 3-частная. Основной вид военной музыки; исполняется духовым оркестром. Разновидности: марш походный, парадный (строевой, церемониальный), встречный, похоронный (траурный). Встречаются также: колонный, фанфарный. Особый тип марша для духового оркестра - концертный» [182].

Марш один из распространенных жанров в репертуаре русского народного оркестра. Основой ему послужило творчество самого В. В. Андреева.

Ноктюрн. В переводе с французского (nocturne) означает «ночной». «В XVIII и начале XIX века итальянским термином notturno называли род дивертисмента, близкий к инструментальной серенаде. Это многочастное произведение (обычно для духовых или струнных и духовых инструментов) предназначалось для исполнения на открытом воздухе в ночное время (образцы у Моцарта и Гайдна). Встречались и одночастные ноктюрны для одного или нескольких голосов, обычно без сопровождения, близкие к вокальной серенаде. Обозначение “ноктюрн” применялось и к оперным “ночным” сценам.

Джон Фильд (1782-1837) своими “Ноктюрнами» утвердил этот жанр как небольшую одночастную напевную лирическую фортепианную пьесу мечтательного или элегического характера, обычно в 3-частной репризной форме.

К. Дебюсси назвал “Ноктюрнами» триаду оркестровых пьес (“Облака”, “Празднества”, “Сирены”, 1897-1899). В русской музыке образцы ноктюрна имеются у М. Глинки, А. Бородина, П. Чайковского» [113, т. 3, 1009-1010].

В 1934 году С. Василенко написал Итальянскую симфонию для оркестра русских народных инструментов, в которой средняя часть называется Ноктюрн.

Парафраза, «парафраз - инструментальная пьеса виртуозного характера, написанная на народные мелодии. Близка к фантазии» [182].

Пассакалья «(от испанского pasar - проходить и calle - улица) - первоначально испанская песня с сопровождением гитары, позднее (конец XVI века) танец, возникший в связи с обычаем исполнять на улице музыку торжественного или маршеобразного характера при разъезде гостей по окончании празднества. Основой таких пассакалий служила басовая партия танцев, при повторениях которой верхние голоса варьировались.

С распространением гитарной музыки в начале XVII века пассакалья из Испании проникает во Францию и Италию. В Италии определились основные черты пассакальи — сосредоточенный, торжественный, возвышенный характер музыки, медленный темп, З-дольный размер, принцип вариаций на basso ostinato.

Пассакалья существует как самостоятельная инструментальная пьеса. Нередко она вводится в сюиту (ранний образец 1637 года у Дж. Фрескобальди). Значение крупной, развитой формы пассакалья получает во 2-й половине XVII - начале XVIII века в творчестве главным образом немецких мастеров органной музыки - И. С. Баха, Г Ф. Генделя. С окончанием эпохи генерал-баса пассакалья более чем на столетие исчезает из композиторской практики. Пассакалья возрождается в музыкальном искусстве XX века в связи с интересам к формам XVII-XVIII веков, к полифонии и остинатности вообще. Понятия пассакальи и пьесы на basso ostinato в XX веке становятся почти тождественными; пассакальей называют произведение драматического или возвышенного характера в небыстром темпе, основанное на принципе basso ostinato, по преимуществу полифонического склада. Издавна в пассакальи различались два типа басовых тем: замкнутые, заканчивающиеся на тонике, и разомкнутые, заканчивающиеся на доминанте. К XX веку определились два типа соотношения остинатного баса с другими голосами: 1) разделенные цезурами проведения баса служит действительной основой формы; 2) форма, в которой безостановочные проведения баса превращаются в своего рода фон для непрерывного развития в верхних голосах» [113, т. 4, 198 - 200].

Песня - «наиболее распространенный род вокальной музыки. Различают народную и авторскую (профессиональную) песню. Эти два вида песни постоянно взаимодействуют: элементы народной песни используются композиторами в своем творчестве, а наиболее популярные авторские песни фольклоризуются.

Песни различаются также по жанрам, складу, формам исполнения, сферам бытования и т. д. (песня революционная и бытовая, лирическая и гимническая, одноголосная и многоголосная, сольная и хоровая, с сопровождением и без него, песня для профессиональных певцов и для массового исполнения и т. д.).

Тексты песен обычно представляют собой особый жанр поэзии. Его отличают четкость композиции, совпадение синтаксических и структурных граней (равенство строфы и законченной мысли, строки и фразы). В русской песенной поэзии наиболее распространены 4-стопный хорей и 3-дольные размеры.

Песне свойствен особый тип связи музыки и слова. Мелодия песни является обобщенным, итоговым выражением образного содержания текста в целом; в отличие от романса, она не связана с отдельными поэтическими образами или речевыми интонациями текста. В то же время мелодия и текст подобны по структуре; они состоят из равных (в музыке - и одинаковых) построений - строф или куплетов (часто с рефреном-припевом). Внутреннее членение музыкальной строфы (куплета) также соответствует членению строфы поэтической.

В XIX веке в связи с общим расцветом лирических форм искусства, а также с ростом интереса к собиранию и изучению фольклора песенные жанры интенсивно развиваются, разделившись на романс и собственно песню (часто в народном духе). Границу между ними иногда установить трудно. Куплетность строения является важным, но не решающим признаком, т. к. и романс может быть куплетным, а песня некуплетной. Более точным критерием служит обобщенность мелодии песни, которая порой может даже исполняться с другим текстом (при условии сохранения строфичности и размера). К числу жанровых признаков относится и то, что романс связан главным образом с лирической сферой чувств, понятие же “песня” включало в XIX-XX веках широкий круг жанровых разновидностей (сатирические, драматические песни и др.)» [113, т. 4, 264, 265].

Попурри - «музыкальная пьеса, составленная из популярных оперных, балетных мотивов или народных песен, танцев и т. п. Обычно заимствованные мелодии не подвергаются развитию в попурри, а лишь чередуются друг с другом. В форме попурри строятся иногда увертюры (чаще опереточные)» [182].

Композитором В. Коновым написано попурри на темы песен из мультфильмов для русского народного оркестра.

Поэма - инструментальная пьеса лирико-драматического или лирико-повествовательного характера, отличающаяся свободой построения и эмоциональной насыщенностыо. Прообразом для поэмы послужил созданный Ф. Листом жанр симфонической поэмы - крупного одночастного программного оркестрового произведения.

Многие отечественные композиторы писали поэмы и для оркестра русских народных инструментов, в том числе П. Барчунов создал «Лирическую поэму».

Симфоническая поэма - «музыкальное произведение для симфонического оркестра, написанное в крупной одночастной форме и воплощающее конкретный сюжет, поэтическую или философскую идею. Сюжет или идея симфонической поэмы могут быть изложены в литературной форме (программе) либо указаны только в названии произведения. Симфоническая поэма - один из основных жанров программной музыки. Обычно состоит из ряда эпизодов, образующих какую-нибудь традиционную форму (например, сонатную) или свободную форму, которая определяется развитием музыкального содержания. Ей родственны симфоническая фантазия, симфоническая картина, увертюра-фантазия и т. п. Симфоническая поэма введена в середине XIX века Ф. Листом» [182].

Рапсодия «(от греч. - пение или декламация нараспев эпических поэм, эпическая поэма, буквально - песнь, рапсода; итал. rapsodia) - вокальное или инструментальное произведение свободной формы, слагающееся как последование разнохарактерных, порой остроконтрастных эпизодов» [113, т. 4, 540]. Рапсодия пишется обычно на мелодии народных песен и танцев. Жанр рапсодии появился в XIX веке. В своем творчестве этот жанр использовали очень многие зарубежные и отечественные композиторы.

В русском народном оркестре этот жанр появился в 1898 году. II. Фомин написал Рапсодию памяти П. Чайковского (на основе музыки 2-й симфонии, 1 -го фортепианного концерта и оперы «Евгений Онегин»), В 1937 году была написана Украинская рапсодия композитором А. Пащенко. Две рапсодии для оркестра русских народных инструментов написал Н. Будашкин (1946-й и 1948 годы), П. Куликов (1978) и др.

Романс - «камерное вокальное произведение для голоса с инструментальным сопровождением[1]. Термин “романс” возник в Испании. В России название “романс” первоначально носили вокальные произведения, написанные на французский текст (хотя бы и русским композитором). Романсы с текстом на русском языке назывались “российскими песнями”.

В романсе мелодия более детализированно, чем в песне, связана со стихом, отражая не только общий его характер, тип строфы, поэтический размер, но и отдельные поэтические образы, их развитие и смену, ритмический и интонационный рисунок отдельных фраз.

Инструментальное сопровождение в романсе имеет важное выразительное значение и зачастую является равноправным участником ансамбля. Романс подразделяется на отдельные жанровые разновидности: баллады, элегии, баркаролы, романсы в танцевальных ритмах и т. д.

В XIX веке, особенно в творчестве композиторов романтического направления, романс становится одним из ведущих жанров, отражая характерные для эпохи тенденции: обращение к внутреннему, душевному миру человека и к сокровищам народного искусства. Раньше всего новый тип романса сложился в австрийской музыке (Шуберт, Шуман, Брамс). Вскоре возникают и другие яркие национальные школы романса: французская (Берлиоз, Гуно, Бизе, Массне), русская (Глинка, Даргомыжский, Балакирев, Мусоргский, Бородин, Римский-Корсаков, Чайковский, Рахманинов).

Наряду с камерно-вокальной классикой в XIX веке развивался и бытовой романс, рассчитанный на певцов-любителей и стилистически близкий песне. Эти две области романса взаимодействовали, особенно в России. Романсы Алябьева, Варламова, Гурилева, Булахова обладают несомненными художественными достоинствами и доныне не утратили значения.

Развитие романса в XX веке представляет собой более сложную картину. Наряду с продолжением традиций XIX века, композиторы стремятся решить ряд новых задач или найти новое решение старых. По-новому ставится проблема синтеза музыки и поэзии; композиторы пытаются найти в каждом произведении индивидуальное ее решение, вне типовых жанров и форм» [113, т. 4, 694-697].

Симфония в переводе с греческого означает созвучие. «Музыкальное произведение написанное для оркестра в сонатно-циклической форме. Обычно состоит из 4 частей, но бывают 3-, 2- и даже одночастные. Иногда в симфонию вводятся хор и сольные вокальные голоса (отсюда путь к симфонии-кантате). Существуют симфонии для струнного, камерного и других составов оркестра, для оркестра с солирующим инструментом (симфония-концерт), органа, хора (хоровая симфония) и вокального ансамбля (вокальная симфония). Концертная симфония - симфония с концертирующими (солирующими) инструментами (от 2 до 9), по строению родственна концерту. Симфония нередко сближается и с другими жанрами: Симфония-сюита, С.-рапсодия, С.-фантазия, С.-баллада, С.-легенда, С.-поэма, С.-кантата, С.-реквием, С.-балет, С.-драма (род кантаты), театральная симфония (род оперы).

По характеру симфония может также уподобляться трагедии, драме, лирической поэме, героической эпопее, сближаться с циклом жанровых музыкальных пьес, серией изобразительных музыкальных картин. Симфония сочетает контрастность частей с единством замысла, множественность разнохарактерных образов с цельностью музыкальной драматургии. Симфония занимает в музыке то же место, что драма или роман в литературе. Как высший тип инструментальной музыки, она превосходит все другие ее виды широчайшими возможностями воплощения значительных идей и богатства эмоциональных состояний.

В самостоятельный вид оркестровой музыки (обособившись от оперы) симфония превратилась в XVIII веке (около 1730 года). Основой ее исполнительского состава были струнные инструменты, гобой и валторны. Важнейшая для симфонии сонатная форма применяется прежде всего в 1-й части, иногда также в медленной и последней частях.

Классический тип симфонии создали австрийские композиторы И. Гайдн и В. А. Моцарт. Из жанра развлекательной бытовой музыки она превратилась в главенствующий род серьезной инструментальной музыки. Утвердилась ее структура. Симфония сложилась как последовательность внутренне контрастных, целеустремленно развивающихся и объединенных общей идеей частей.

Моцарт внес в симфонию драматическую напряженность и страстный лиризм, величие и изящество, придал ей еще большее стилевое единство. Его последние симфонии - высшее достижение симфонического искусства XVIII века.

Велика в истории симфонии роль Бетховена. Его 3-я, 5-я и 9-я симфонии представляют собой образцы героического симфонизма, обращенного к массам, воплощающего революционный пафос народной борьбы. Бетховен расширил масштабы симфонии, динамизировал се драматургию, углубил диалектику тематического развития.

Каждый исторический период внес определенные изменения, касающиеся симфонии. Для композиторов-романтиков (Шуберт, Шуман, Мендельсон, Берлиоз и др.) типичны жанры лирической, эпической, пейзажно-бытовой, романтической программной симфонии. В симфониях Брукнера и Малера (2-я половина XIX - начало XX века) «присутствует насыщенность полифонической ткани, длительность и мощь эмоциональных нарастаний, острота конфликтов, возвышенный пафос и трагизм, новизна выразительных средств.

<...> Первыми среди русских композиторов к жанру симфонии обратились Д. С. Бортнянский (1790), М. Ю. Виельгорский (1825) и А. А. Алябьев (1830), позже А. Г Рубинштейн, М. И. Глинка и др. В симфониях русских авторов ярко выражен национальный характер, запечатлены картины народной жизни, исторические события. Создателем русской эпической симфонии явился А. П. Бородин. В его «Богатырской» симфонии воплощены образы исполинской народной силы.

В ряду высших завоеваний мирового симфонизма - произведения П. И. Чайковского, которые с глубокой психологической проникновенностью передают богатую гамму человеческих переживаний. Задушевной лирикой привлекают симфонии В. С. Калинникова; драматической патетикой -симфонии С. В. Рахманинова и А. Н. Скрябина.

Для советского периода большое значение (для жанра симфонии) имеет творчество Н. Я. Мясковского, С. С. Прокофьева и Д. Д. Шостаковича» [113, т. 5, 21-25].

Впервые симфония для народно-инструментального состава была написана в 1934 году композитором С. Н. Василенко. Его 3-я, «Итальянская» симфония, ор. 81, была предназначена для русского народного оркестра (для домрово-балалаечного оркестра с духовыми инструментами). Это 4-частное сочинение, вторая часть которой (Ноктюрн) нередко исполняется любительскими, учебными и профессиональными оркестрами, а также в классах по дирижированию.

В 1943 году Р. Глиэр написал 5-частную симфонию-фантазию для народного оркестра.

К настоящему времени отечественными композиторами написано большое количество симфоний для русского народного оркестра, и в том числе сибирскими композиторами.

Скерцо «(scherzo, буквально - шутка) - музыкальная пьеса в живом, стремительном темпе, с остро характерными ритмическими и гармоническими оборотами, в 3-дольном размере. Встречается как часть сонаты, квартета, симфонии и т. п. (начиная с Бетховена) и как самостоятельная пьеса (у Шопена и др.)» [182].

Еще в начале XX века Н. Фомин сделал переложение для народного оркестра Скерцо из 4-й симфонии Чайковского (пиццикато струнных). Это было началом появления в репертуаре народного оркестра жанра скерцо.

Сюита - «форма музыкального произведения, состоящая из нескольких самостоятельных частей, объединенных общим художественным замыслом. Обычно части сюиты резко контрастируют между собой по характеру, темпу и т. п. Часто встречаются сюиты из танцевальных пьес, из музыки к театральным постановкам, киномузыки, балетов, также программные сюиты (на определенный сюжет). Сюиты пишут для оркестров, ансамблей, различных инструментов, также для хора и т. п. Эта форма существует с XVI века. В классическую сюиту XVII-XVIII веков входили главным образом танцевальные пьесы: аллеманда, куранта, сарабанда и жига, а также бурре, гавот, менуэт и др.» [182].

Сюитный жанр на протяжении нескольких десятилетий был приоритетным у многих отечественных композиторов, писавших сочинения для русского народного оркестра.

Тарантелла - «итальянский народный танец в быстром темпе (размеры 3/8, 6/8, 12/8), живой и страстный по характеру. С историей тарантеллы связано много легенд. Начиная с XV века в течение двух столетий тарантелла считалась единственным средством излечения «тарантизма» - безумия, вызываемого, как полагали, укусом тарантула (название насекомого, так же как и танца, производят от названия южноитальянского города Таранто). В связи с этим в XVI веке по Италии странствовали специальные оркестры, под игру которых танцевали больные тарантизмом.

Со временем тарантелла стала обычным танцем (одиночным или парным), хотя и сохранила свой неистовый характер. Сопровождается игрой на гитаре, тамбурине, кастаньетах, иногда пением. Музыкальный жанр тарантелла применен в опере, балете, инструментальных, вокальных пьесах» [ИЗ, т. 5, 439, 440].

Увертюра (в переводе с французского - ouverture - означает открытие, начало) - инструментальное вступление к театральному спектаклю с музыкой (опера, балет, оперетта, драма), к вокально-инструментальным произведениям типа кантаты и оратории или к серии инструментальных пьес типа сюиты, в XX веке - также к кинофильмам; также самостоятельное концертное оркестровое произведение в сонатной форме.

«История увертюры восходит к начальным этапам развития оперы (Италия, рубеж XVI-XVII веков), хотя сам термин утвердился во 2-й половине XVII века во Франции и затем получил всеобщее распространение. Решающий перелом в развитии увертюры наступил во 2-й половине XVIII века благодаря утверждению сонатно-симфонических принципов развития, а также реформаторской деятельности К. В. Глюка, трактовавшего увертюру как « вступительный обзор содержания» оперы.

Достижения европейского симфонизма в целом и, в частности, рост самостоятельности, концепционной законченности оперных увертюр способствовали возникновению ее особой жанровой разновидности - концертной программной увертюры (Берлиоз, Мендельсон).

Во 2-й половине XIX века к жанру увертюры композиторы обращаются реже. В опере ее постепенно вытесняет более краткое, не основанное на сонатных принципах вступление. Оно обычно выдержано в одном характере, связано с образом одного из героев оперы или в чисто экспозиционном плане знакомит с несколькими ведущими образами; сходные явления наблюдаются и в балетах. Вступительная часть в опере и балете этого времени часто называется вступлением, интродукцией, прелюдией и т. д. Идея подготовки к восприятию оперы вытесняет идею симфонического пересказа ее содержания. Об этом неоднократно писал Вагнер, постепенно отошедший в своем творчестве от принципа развернутой программной увертюры.

Однако наряду с короткими вступлениями отдельные яркие образцы сонатной увертюры продолжают появляться в музыкальном театре 2-й половины XIX века.

В XX веке увертюры в сонатной форме встречаются редко» [113, т. 5, 674-676].

Первая увертюра для русского народного оркестра была написана Н. Фоминым в начале XX века.

Фантазия в переводе с греческого означает воображение. «Жанр инструментальной музыки, индивидуальные черты которого выражаются в отклонениях от обычных для своего времени норм построения. Представления о фантазии были разными в разные музыкально-исторические эпохи, однако во все времена границы жанра оставались нечеткими: в XVI-XVII веках фантазия смыкается с ричеркаром, токкатой, во 2-й половине XVIII века - с сонатой, в XIX веке - с поэмой.

В XX веке фантазия, как самостоятельный жанр, встречается редко» [113, т. 5, 767-770].

Фантазия - «музыкальная пьеса в свободной форме. Многим фантазиям свойствен импровизационный склад. Фантазии часто основываются на свободной, обычно вариационной разработке мелодий из народных и авторских песен, танцев, балетов, опер и т. п. Для сольных фантазий характерна виртуозность (как и для парафразы). Распространены и оркестровые фантазии на заимствованные темы. Особый жанр - симфоническая фантазия» [182].

Фантазию, как жанр, в репертуар русского народного оркестра впервые ввел Н. Фомин, сочинивший фантазии на мотивы оперы А. Бородина «Князь Игорь» и оперы Ж. Бизе «Кармен».

  • [1] Романсы прекрасно звучат в сопровождении оркестра русских народных инструментов. В настоящее время практически весь «романсный» репертуар имеет оркестровое сопровождение.
 
Посмотреть оригинал
< Пред   СОДЕРЖАНИЕ   ОРИГИНАЛ   След >